El nuevo look del hip hop

Si todavía se aferra a sus pantalones MC Hammer o gira los colgantes de sus relojes de pared y los encadena como Flava Flav, este artículo será un rudo despertar para usted. Con el hip hop convirtiéndose tanto en moda como en música, marcas de diseñadores como Louis Vuitton, Gucci y Prada se han abierto camino en las letras de rap tan perfectamente como su ropa. La moda del hip hop ha cambiado mucho desde la época de los pantalones anchos y las camisas de gran tamaño y se ha transformado en una mezcla de estilo urbano y alta costura.

Entonces, si quieres volar, obtén una dosis de estilo hip hop, solo toma algunas notas rápidas de estos famosos estilos de superestrella del rap.

Cuando el hip hop se encuentra con el pop

No todos los artistas de rap usan jeans holgados y una camisa blanca lisa. Una nueva generación de artistas mezcla un poco de pop no solo en sus canciones, sino también en sus atuendos. Lo hace más apetecible para un público más amplio porque su aspecto es más accesible. Por ejemplo, poner un chaleco sobre una camisa lisa lo hace más elegante. Todo lo que tiene que hacer es tomar una camiseta normal y ponerle un chaleco para agregar instantáneamente algunos puntos de estilo. Para subir un poco la apuesta, también puede agregar sombreros, por lo que con el chaleco sobre la apariencia de la camisa también puede completarlo con un sombrero de fieltro o un sombrero de pageboy para unir el look.

Cuando el hip hop se encuentra con la alta costura

Cada vez más artistas se están convirtiendo en un elemento de primera fila en algunos de los desfiles más de moda o lanzando sus propias marcas de diseñadores. Pero no se preocupe, estos artistas no están perdiendo un poco su credibilidad callejera. La mayoría de las veces llevaban trajes a medida con zapatillas Dolce y Gabbana o un par de jeans gastados y una camisa con el equipaje de Louis Vuitton. Siguen siendo los mismos raperos contundentes solo con ropa mejor y mucho más cara.

Cuando el hip hop se encuentra con los nerds

Con la llegada de más canciones electrónicas, auto sintonizadas y cargadas de muestras, más estrellas del rap también se están convirtiendo en geeks. Puedes ver la influencia de la tecnología, los juegos e Internet en su elección de joyería de hip hop que consiste en estrellas de Super Mario, patinetas y conos de helado. El aspecto es bastante fácil, ya que es fácil de llevar. Los productos básicos son zapatillas de deporte, una camisa, bling y jeans ajustados con un toque de muy buen gusto que a veces incluyen suéteres sobre camisas con botones e incluso una corbata de lazo.

Cuando el hip hop se encuentra con los locos

No nombraré nombres, pero algunos artistas realmente le dan al término moda loca un significado completamente diferente. A lo largo de los años, los hemos visto usar cualquier cosa, desde bolsas de basura mientras montaban un pequeño jeep, un peinado rosado inspirado en un troll combinado con sandalias de gladiador hasta la rodilla de Versace mientras se bañaban en una piscina rosa y, a veces, solo empanadas para cubrir lo que necesitan. Ser cubierto. Pero una cosa es segura, sus rimas son tan locas como sus elecciones de moda.



Source by Kayli Vichez

Cómo entender la estructura de la canción y escribir una canción pegadiza

La estructura de una canción es la forma que le da forma. Casi todas las canciones comerciales tienen una de dos estructuras, Verse-Chorus o Verse-Verse-Bridge.

La estructura del coro de versos es, con mucho, la más popular, desde House, Pop, Electrónica hasta Heavy Metal. En esta estructura, el título de la canción normalmente se encuentra al comienzo del coro, que también es el punto más intenso de la canción. Este título se repite en líneas alternas del coro o se repite al principio o al final del coro. Al escuchar casi todas las canciones comerciales exitosas, sabrá cuál es el título de la canción al escuchar el coro solo una vez.

El título memorable de la canción también es un gancho que es memorable y te atrapa en la canción, haciendo que quieras escuchar más de la canción. El título dentro del coro, podría verse metafóricamente como el centro de una telaraña, con todas las otras partes de la canción enfocadas hacia ella, tanto lírica como musicalmente. El título dentro del coro es el mensaje principal de la canción. El resto del coro ayuda a explorar o ampliar el gancho del título principal.

La línea de melodía del coro siempre se destaca de los versos. En general, el coro se canta más alto que el verso para ayudar a dar más intensidad, pero a veces esta intensidad se transmite por un mayor volumen o drama (trinos y lamer).

Después de un verso y un coro, luego sigue un segundo verso, que explora el título y el mensaje de la canción, mencionados en el coro, con más detalle. Las palabras son diferentes en el primer verso que en el segundo. Líricamente, este segundo verso podría significar que el coro se entiende mejor o hay un giro que sorprende al oyente, cambiando el significado del coro.

El segundo coro se repite de manera idéntica al primero. La forma básica es, por lo tanto, A-B-A-B (o Verse-Chorus-Verse-Chorus).

Después de esto, a menudo hay una pequeña desviación de este formato, conocido como el puente (o medio 8). Esto a menudo ayuda a romper la estructura establecida, proporcionar algo diferente o darle a un músico virtuoso la oportunidad de tocar en solitario (piense en el solo de Slash en la canción de Gun & Roses Sweet Child of Mine).

Dependiendo de la canción, a veces no se necesita un puente. Se podría lograr una intensidad adicional simplemente repitiendo el coro con armonías adicionales, o transponiendo por un tono o semitono más alto. Por lo tanto, la estructura general de una canción de Verse-Chorus es:

A-B-A-B-B (Verse-Chorus-Verse-Chorus-Chorus)

o

A-B-A-B-C-B (Verse-Chorus-Verse-Chorus-Bridge-Chorus)

En el otro formato de canción, la estructura Verse-Verse-Bridge, el puente es mucho más importante y es una parte esencial de la canción.

En la forma Verse-Verse-Bridge, el título de la canción está contenido en el verso, no en el coro. Este título es a menudo la última línea del verso y cada verso tiende a sentirse sucinto y completo en oposición a la estructura Verse-Chorus donde cada verso conduce al coro.

Una de las canciones más famosas de la estructura Verse-Verse-Bridge es Yesterday by the Beatles. La próxima vez que escuche esta canción, observe que el título, Ayer, está al final de cada verso y que cada verso tiene un sentido de integridad. El pensamiento y el mensaje de la canción se resumen en la línea final de cada verso.

Después del versículo uno, normalmente hay otro versículo que sigue exactamente el mismo formato. El título de la canción también estará al final de este versículo. Se explorarán líricamente diferentes aspectos del título de la canción, ya que ahora sabemos a dónde va la canción y el mensaje final de la canción.

Después de dos versos vamos a un Puente (Verse-Verse-Bridge). Esto generalmente comienza en bajo y luego se desarrolla en la parte más intensa de la canción con la melodía a menudo llegando a su punto más alto también. Este es un elemento esencial de la canción que agrega contraste con el ascenso y la caída normales y la sensación de integridad de cada verso en la estructura de esta canción.

Después del puente sigue un tercer verso, que es líricamente diferente de los primeros dos versos y reduce la intensidad encontrada dentro del puente a un sentido más de normalidad. Por lo tanto, la estructura general para una canción de Verse-Chorus es:

A-A-B-A (Verse-Verse-Bridge-Verse)

Si quieres escribir una canción pegadiza, o la próxima vez que escuches tu canción favorita, ¿por qué no pensar si la canción tiene una estructura Verse-Chorus o Verse-Verse-Bridge? Le ayudará a apreciar el mensaje que usted o el compositor están tratando de retratar, cómo se relaciona el mensaje general con el título de la canción y los sentimientos evocados a medida que escucha.



Source by Jon Kapela

 Las 5 mejores canciones techno del siglo XXI

Elegí, en mi opinión, las 5 mejores canciones tecno del siglo XXI.

Disfruto de una amplia variedad de música electrónica, por lo que algunas de estas selecciones podrían clasificarse mejor como Rave, Electronic Dance, Trance, Eurodance, Electronica o tal vez incluso House. Los géneros se están volviendo demasiado específicos de todos modos, y hay demasiadas clasificaciones diferentes. Entonces, si la canción era al menos parcialmente sintética y tenía un ritmo lo suficientemente bueno para bailar, entonces estaba en mi lista.

Aquí están mis 5 mejores opciones, en orden cronológico …

1. Tormenta de arena de Darude, 2001
¡Esta es, con mucho, la mejor canción techno jamás creada! Lo he analizado y no estoy muy seguro de qué hace que esta canción sea tan increíble. Tal vez sea el uso de motivos rítmicos o tal vez la elección de sintéticos. Sea lo que sea, funciona y funciona muy bien. Todavía tengo que escuchar una canción techno comparada con esta. ¡Absolutamente increible!

2. Castillos en el cielo por Ian Van Dahl, 2001
Esta canción fue bastante controvertida en ese momento, ya que la mujer que la vio cantando en el video y en las presentaciones en vivo no fue la mujer que la grabó. La mujer que imitaba las voces fue reemplazada por Annemie Coenen. Ella es la cantante principal del grupo, que ahora se llama AnnaGrace. La mujer original que grabó esta canción tampoco está más con el grupo. A pesar de todo el drama, sigue siendo una gran canción.

3. Quizás por Freda, 2003
Descubrí a Freda por primera vez cuando tenía una cuenta en garageband.com que hace mucho tiempo que fue retirada y fusionada con iLike. Generalmente es desconocida, pero es muy popular entre las personas que la conocen. Sus canciones son muy enérgicas con letras divertidas para cantar. Échale un vistazo si nunca has oído hablar de ella.

4. Tecnológico por Daft Punk, 2005
Me sorprendió la primera vez que escuché esta canción. Es tan simple, pero muy atractivo. El video musical con el robot parlante es un poco espeluznante, pero no le quita el poder a la canción. Hay algo sobre el fondo sintético mezclado con la voz rítmica de ardilla usando términos de computadora que es divertido escuchar.

5. Criaturas de la noche por Mannheim Steamroller, 2006
Probablemente esté pensando: ¿no hace Mannheim Steamroller música New Age y Navidad? Y la respuesta es: sí, pero esta es su única canción escrita para clubes de baile. Se presenta en su segundo álbum de Halloween, y también tiene un video musical que muestra a las personas haciendo un baile en línea creado específicamente para esta canción. Mannheim Steamroller es un pionero de la música electrónica, y ha estado produciendo música sintética continuamente desde 1975. Por lo tanto, no sería justo excluirlos de la lista solo porque normalmente no escriben en este género.

Ya sea que esté de acuerdo con mis elecciones o no, no se discute que la música Techno es uno de los géneros más influyentes, y un baile no es un baile sin él.



Source by Doug Clyde

Las 5 mejores canciones techno de 1990 a 1995

Elegí, en mi opinión, las 5 mejores canciones techno de 1990 a 1995. Disfruto de una amplia variedad de música electrónica, por lo que algunas de estas selecciones podrían clasificarse mejor como Rave, Electronic Dance, Trance, Eurodance, Electronica o tal vez incluso casa. Los géneros se están volviendo demasiado específicos de todos modos, y hay demasiadas clasificaciones diferentes. Entonces, si la canción era al menos parcialmente sintética y tenía un ritmo lo suficientemente bueno como para bailar, entonces estaba en mi lista. Las canciones techno generalmente tienen varias mezclas diferentes de la misma canción, por lo que si hay una versión específica que me gusta, se notará después del título de la canción.

Aquí están mis 5 mejores opciones, en orden cronológico …

1. Prepárate para esto (Orchestral Mix) por 2 Unlimited, 1991

Este es un elemento básico para cada juego de baloncesto. Si nunca has escuchado esta canción, me sorprenderé. Siempre imagino a las porristas bailando cuando lo escucho. Diez años después y todavía se está jugando. Ese es un gran cumplido, y definitivamente estoy de acuerdo. Esta es una gran canción, especialmente la Orchestral Mix.

2. O Fortuna (Apocalypse Chorus Mix) por Apotheosis, 1992

La canción clásica original O Fortuna es el tema principal del famoso oratorio Carmina Burana de Carl Orff. Hay otra canción de Apotheosis llamada Obumbrata (una palabra de la letra original que significa sombreada en latín), que es solo otra variación de esta canción. De hecho, en mi CD Radikal Techno, esta versión de la canción estaba etiquetada incorrectamente como Obumbrata. No importa cómo se llame, es una sorprendente disposición sintética de una pieza clásica ya sorprendente.

3. Swamp Thing (Radio Mix) de The Grid, 1993

Siempre me ha encantado la música banjo. Especialmente canciones como esta y Dueling Banjos donde se tocan muchas notas rápidas. Normalmente no puedes escuchar algo como esto en la música dance, así que cuando lo haces es un verdadero placer.

4. Da Funk de Daft Punk, 1995

Da Funk fue lanzado originalmente como single primero, y luego apareció en el álbum Homework de Daft Punk. El video musical trata sobre un chico con cabeza de perro y un yeso en su pierna, que camina por la ciudad de Nueva York con muletas con un boombox tocando esta canción. Es una pequeña historia agradable, y vale la pena verla al menos una vez. Definitivamente es la mejor canción de Daft Punk.

5. Cotton Eye Joe por Rednex, 1995

He bailado esta canción muchas veces. Nunca fui realmente un gran fanático de la música country, pero esto definitivamente cierra la brecha. Me encanta la mezcla de sintéticos con instrumentos populares tradicionales como el banjo y el violín. Por otra parte, siempre me ha encantado la mezcla de instrumentos en vivo con sintéticos.

Algunos otros que consideré para la lista fueron: Sesame's Treet de Smart E's 1992 y The Sign by Ace of Base 1994.

Ya sea que esté de acuerdo con mis elecciones o no, no se discute que la música Techno es uno de los géneros más influyentes, y un baile no es un baile sin él.



Source by Doug Clyde

 Goldfrapp Felt Mountain: ¡un encantador escape al pasado y al futuro!

Goldfrapp Felt Mountain, es el impresionante trabajo del dúo británico de música electrónica, Alison Goldfrapp y Will Gregory. La pareja es responsable de producir uno de los mejores álbumes de debut más elegantes, encantadores y graciosos que he escuchado.

Firmado con Mute Records, con sede en Londres, y, por lo tanto, etiqueta compañeros con artistas icónicos como Depeche Mode y Nick Cave, Goldfrapp grabó su obra durante un período prolongado de seis meses, similar, en cuanto al tiempo, a la obra maestra de los Beatles & # 39; 1967, & # 39 ; La banda del club de Lonely Hearts del sargento Pepper. Los resultados épicos logrados por el dúo ciertamente no fueron evidentes desde su inicio. Alquilaron un bungalow de Wiltshire en el campo inglés y sin ser molestados, comenzaron su colaboración musical no probada.

Goldfrapp escribió la letra y fue coautor de la música con Gregory. Temáticamente, el álbum es de aislamiento, reminiscencia, soledad e imaginación. La actuación vocal de Alison en Felt Mountain es, creo, nada menos que deslumbrante. Una sensualidad moderada que atrae a los oyentes cada vez más cerca de ella. Casi se convierte en una experiencia obsesiva. El telón de fondo musical, a menudo inspirado en la estilización cinematográfica, es vasto y cinematográfico. Un vibrante caldero de electrónica melancólica, guiones de cabaret de buen gusto, una retrospectiva de los años sesenta, que incluye algunos momentos muy helados de lo que solo puede parecer el período de la guerra fría, todos son agitados por Gregory en una producción que es, en una palabra, impresionante.

Aquí están mis tres canciones favoritas de Goldfrapp Felt Mountain:

& # 39; Encantadora cabeza & # 39; La canción de apertura es uno de los mejores ejemplos de venta en un álbum en los primeros 30 segundos. La cima etérea de la montaña en una noche nublada, espesa y helada, silbando, es tan eléctrica para los sentidos que se convierte en una droga auditiva. Todo antes de que Alison incluso abra la boca. Esta actuación completa la experiencia inicial y la comprensión de que este cuerpo de trabajo es una excursión única a un viaje colorido de la mente y los sentidos.

& # 39; Bolsa de papel & # 39; es exquisito! Una historia solitaria de amor triste. La melodía y su entrega vocal es tan delicada, tan frágil, que hace que quieras protegerla en tu abrazo. Me encanta la obra con ritmos aleatorios y un pseudo clavecín. Esta es una de las producciones más cinematográficas de Felt Mountain, y casi puedo imaginar ver sus imágenes en la pantalla grande, mientras que el mundo exterior es un bosque oscuro y helado, en lo alto del lado de un pico de montaña aislado.

& # 39; Pilotos & # 39; es la canción que primero me llamó la atención y me trajo a Goldfrapp. Vi el video de James Bondish maravillosamente frío en la televisión e inmediatamente me enamoré de la idea del artista y su trabajo. La calidad flotante y atmosférica de la canción fue un regalo mágico para mis oídos. La melancolía apagada mezclada con tanto encanto y belleza me hizo fanático instantáneo de Goldfrapp.

Si está de acuerdo con la intensidad con la que expreso mis sentimientos, no creo que pueda negar que Goldfrapp Felt Mountain es un lanzamiento debut impresionante, único y digno de atención. Los artistas que crean una atmósfera de encanto y belleza melódica oscura y graciosa son a menudo raros.



Source by George E Pappas

Kid Cudi – Man On The Moon II: The Legend of Mr Rager Reseña del álbum

Kid Cudi sorprendió al público cuando, entiendo, su álbum debut – Man On The Moon: The End of Day – ¡fue realmente muy bueno! Lamentablemente, su estudiante de segundo año Man On The Moon II: The Legend of Mr.Rager no obtiene ningún punto para una nueva dirección temática, porque no se eligió ninguno. A pesar de las sutiles diferencias, el álbum es solo Cudder expresando sus quejas una vez más, tocando la soledad, la psicosis, las drogas, las tendencias suicidas, las obras, pero con una dosis de su propia fama reconocida. No hay una pista que obtenga elogios o popularidad de sus esfuerzos anteriores, como Day N Nite, pero sin tener en cuenta el desorden general que es el álbum, todavía se puede disfrutar … a un costo, por supuesto.

Trabajando en equipo con Emile principalmente para la producción (aunque No ID, Dot Da Genius y Plain Pat también tuvieron un aporte significativo), Man On The Moon II aprovecha un sonido que ayuda a transmitir emociones familiares para el debut de Cudi, pero ayuda a explorar algunas novedades rincones interesantes de la misma. Mientras que el Man On The Moon original se entrometió con muchos sintetizadores, este proyecto está más arraigado, inclinado hacia el rock como un género crossover para equilibrar el sonido electrónico-HipHop que aún prevalece. Sin embargo, no importa qué género sea el ganador del crossover, las texturas distorsionadas y granuladas funcionan muy bien con el tono general del álbum la mayoría de las veces, con una presencia de riffs de guitarra y algunos solos de guitarra dispersos por todas partes.

Aunque Kid Cudi no está tan bien establecido en estos géneros mixtos como en el Man On The Moon original, solo agradece que guarde su música de baile para los lugares invitados y los singles sin LP. Aquí, se trata menos de su talento general y más de cómo sus letras y su entrega no coinciden de manera eficiente con los instrumentales, ya sea que elija rapear o cantar. En esa nota, su canto (que ha visto poca o ninguna mejora) no funciona bien para él aquí, ya sea en el fracaso del pop-rock inicialmente infeccioso pero pronto enfermizo Erase Me, We Aite (Wake Your Mind Up) , ¡FANTASMA! o atrapado en mi mente.

El juego lírico de Cudi se ha intensificado, pero mientras que la colaboración inicial de Cee-Lo, Scott Mescudi vs. The World es una representación ejemplar de todo lo que se hace bien, como lo es el Sr. Rager, These Worries y Mojo So Dope, esta noción no resuena en el resto del álbum; Don't Play This Song, por ejemplo, hace que Cudi descargue rimas fascinantes y perturbadoras ("¿Temeraria y joven, soy la madre de mi madre? Gracias a Dios que golpeó Decline / Estoy aturdido mientras pienso en el suicidio . ") pero sufre de un instrumental a medias que no coincide con la oscuridad de estas letras. Por el contrario, la marihuana presenta un piano alucinógeno muy aturdido y un número de coro, pero Cudder no favorece el lirismo inusualmente perezoso.

Idealmente, Man On The Moon: The End of Day no debería haber sido demasiado difícil para Kid Cudi para superar a Man On The Moon II: The Legend of Mr. Rager. No es injusto ver al estudiante de segundo año a la sombra del debut; se acerca, pero aún no se acerca a él, sino que se presenta como una interpretación descuidada de los 808 y Heartbreak de Kanye West, con poco más que un puñado de momentos de grandeza retenidos debido a una mala combinación de Exposición lírica a la musicalidad. Lo que finalmente te queda es un rompecabezas incompleto de voces mal ubicadas, y tu objetivo es elegir cuáles de los instrumentales (a menudo estelares) del álbum son más adecuados para ellos. Sí, eso es lo que te verás haciendo con este álbum en lugar de disfrutarlo a fondo.



Source by Vlad Iouchkov

DJ Cam – Sustancias – Reseña del álbum

"Substances" es un álbum de DJ Cam, lanzado en 1996. Es un híbrido de jazz, trip hop y electrónica, haciendo un puente entre esos estilos y combinándolos en un todo coherente. Aunque algunas pistas giran hacia el ambiente, y todos los pequeños interludios entre las canciones están hechos de loops orientados al jazz, generalmente se clasifica como una grabación de trip hop, especialmente por sus ritmos de ritmo lento y orígenes estilísticos.

En comparación con algunos otros trabajos de DJ Cam, la conexión de "Sustancias" con el estilo hip hop puede no parecer tan aparente, probablemente más cerca del ambiente y el jazz. En lugar de los ritmos crudos del hip hop y el rap ocasional, este disco presenta principalmente efectos atmosféricos electrónicos, vibráfono etéreo, arpegios de arpa, cuerdas y breakbeat.

Al igual que su anterior "Mad Blunted Jazz", el álbum "Substances" refleja la pasión y la delicada percepción de la música de jazz de DJ Cam al incluir clips cortos y muestras de grabaciones de jazz famosas. "Friends And Enemies" se basa en un loop de piano melódico, interpretado por el legendario pianista McCoy Tyner en "Wise One" de John Coltrane. Sin embargo, esto no significa que este álbum solo haya muestreado grabaciones de jazz. Por ejemplo, el tema principal de "Twilight Zone" es un bucle de orquesta de cuerdas, extraído de la banda sonora de la película "Entrevista con el vampiro".

"Substances" de DJ Cam también cuenta con un vocalista indio Kakoli Sengupta, quien presta su voz expresiva a temas tan cambiantes como "Meera" y "Lost Kingdom", agregando influencias orientales a esas composiciones.

"Angel Dust" es quizás una de las pistas más frágiles y pacíficas de esta grabación. Cuenta con una muestra suave de una melodía clásica de Blue Note llamada "Lazy Afternoon" de Pete La Roca. La pista sin ritmo con sus efectos ambientales, fragmentos de flauta, saxofón silencioso y canto relajante, es algo contrario a la mayoría de las pistas de ritmo de DJ Cam.

Debido a las mayores influencias del jazz y la música ambiental, "Substances" es más melódica, orientada al interior, sentimental y soñadora que el "Mad Blunted Jazz" lanzado anteriormente. Los ritmos tal vez no sean tan agudos y presentados como algunos de sus fanáticos acérrimos podrían esperar, con la esperanza de encontrar otra colección de ritmos gordos de hip hop.

Sin embargo, este disco todavía tiene el sonido minimalista característico de la DJ Cam y su consideración, donde todos los detalles se unen de una manera simple pero creativa. Aquellos que estén dispuestos a renunciar a sus expectativas y tomar el álbum tal como está, una pequeña colección de historias delicadas y contemplativas, probablemente encontrarán "Sustancias" al menos tan fascinantes como las otras grabaciones de DJ Cam.



Source by Joonas Kreen

 Deli Radio – La nueva cara de la radio

Está ocurriendo un nuevo movimiento en la radio y esta innovación independiente está a la vanguardia. Su idea se basa en esta simple premisa: en cualquier parte del mundo donde vivas, a menos de 250 km de ti, hay 5 bandas que te encantarían … SI solo supieras de ellas. Deli Radio tiene como objetivo resolver este problema con su marca de radio por internet contextualizada. En pocas palabras, los oyentes crean su propia estación de radio basada en el género, la geografía y el tiempo. ¿Estás buscando bandas de country alternativo tocando en Nueva York durante las próximas 3 semanas? ¿Qué tal dúos de electrónica digitalizando su camino en Singapur en 5 semanas? Entiendes la idea … Una vez que configuras tus parámetros, Deli Radio toca canciones de bandas y artistas que han sido etiquetados. Ahora el oyente no solo tiene acceso a tus canciones, sino que también ha visto tus fotos, ha revisado tus videos y lo más importante, sabe cuándo vienes a la ciudad.

RL: ¿Qué llevó a la creación de & # 39; Deli Radio & # 39 ;?

DR: DeliRadio fue concebido en 2010 en el sello musical con sede en Berkeley Ninth Street Opus. Las dos compañías aún comparten algunos empleados clave y un espacio de oficina cada vez más reducido. Como sello musical, el problema que enfrentamos todos los días (y aún enfrentamos) es tratar de poner a los artistas del sello frente a más ojos y oídos. Esto es muy, muy desafiante en el entorno actual, donde las ventas de música realmente no respaldan casi nada de lo que solían hacerlo, y la capacidad de atención de la gente se diluye con tantas opciones de medios. En el ámbito en línea, estudiamos el panorama de lo que los artistas emergentes necesitaban y estaban a disposición de ellos. Y nos propusimos llenar un vacío en el mercado.

RL: ¿De qué orígenes vienen los creadores? ¿Quien esta implicado?

DR: La mayoría de los primeros empleados de la compañía se conocieron en un pub de Berkeley (sin bromear) llamado Beckett, donde íbamos de fiesta y veíamos a The Sisters in Soul actuar cada semana. Esto sucedió entre 2002 y 2007 más o menos. Nuestros antecedentes comerciales estaban por todo el mapa: derecho, software, fondos de cobertura / finanzas, diseño web / gráfico, reservas y gestión de artistas. En retrospectiva, ¡la cerveza perfecta para DeliRadio! De todos modos, a mediados de 2008 formamos Opus, y comenzamos a firmar bandas y a aprender el negocio desde cero. Casi no teníamos idea de las mejores prácticas para una etiqueta. Lo inventamos a medida que avanzábamos. Esa actitud sin límites probablemente tenga mucho que ver con por qué ahora estamos en el negocio de la transmisión de radio junto con el sello musical.

RL: ¿Cómo pueden los músicos aprovechar al máximo el sitio?

DR: Haz buena música. Ahí es donde comienzas. Luego póngalo en DeliRadio. Luego reproduce programas … Si es realmente genial, tus fanáticos lo encontrarán y lo compartirán. DeliRadio hace que sea muy fácil para los amigos compartir música y compartir información entre ellos. Ahora, ese es el consejo de DeliRadio para los aspirantes a músicos profesionales. Pero cualquier "escena" puede beneficiarse de DeliRadio. Una escuela secundaria o universidad puede tener una estación de estudiantes (o muchas), al igual que los coros de gospel, los artistas de rap que trabajan para el Servicio Postal de los EE. UU. … cualquier escena puede hacer una estación de DeliRadio y compartir su música con amigos / familiares / nadie.

RL: ¿Qué tipo de impacto esperas que Deli Radio tenga en los músicos independientes? ¿Qué tipo de impacto quieres que tenga?

DR: La mayoría de la gente va a ver un pequeño número de espectáculos cada año, y tienden a estar en grandes auditorios, incluso estadios. Esto se debe a que simplemente no están informados acerca de otras opciones, no tienen una manera eficiente de saber quién está tocando en los lugares y clubes más pequeños en la calle. No quieren arriesgarse con una banda desconocida (y no los culpo). DeliRadio se encarga de ese riesgo: escuchas y ves lo que vas a obtener en un espectáculo (bueno, una idea bastante buena de todos modos). Por lo tanto, DeliRadio debería dar como resultado que más personas vayan a más shows, hasta los estadios incluidos, ¡la gente aún necesita descubrir que Paul McCartney vendrá a la ciudad, incluso si no necesitan ser vendidos en la música!

RL: La asociación con SongKick es una gran característica. ¿Cómo surgió la idea?

DR: Es difícil de recordar … las piezas se unieron rápidamente hace 20 meses cuando se diseñó DeliRadio. Originalmente, Opus se propuso ofrecer un conjunto de herramientas de promoción en línea de forma gratuita a cualquier artista (los estábamos construyendo para nuestros artistas en la empresa, así que pensamos, ¿por qué no? Incluido en ese conjunto de herramientas fue la importación automática de fechas. Songkick fue el más poblado con fechas en todo el mundo. A partir de ahí, llegó el momento Eureka: "Hmmmmm. Calendarios del lugar y artistas y canciones … Esa es una estación que estamos describiendo". Cuando surgió esa idea, dejamos caer todas las otras piezas que estábamos construyendo. Esta idea era "la grande", la que los artistas y fanáticos realmente necesitaban. Desechamos mucho trabajo y código ese día, pero definitivamente fue lo correcto.

RL: ¿Cuándo y cómo podrán los artistas vender su música en el sitio?

DR: Pueden hacerlo ahora. Luego pueden ingresar enlaces a iTunes / Amazon, Y también pueden configurar ventas directas en DeliRadio, utilizando PayPal como cajero. DeliRadio no toma una pieza.

RL: ¿Cuál es la visión de la empresa? ¿Es este el futuro de la radio?

DR: DeliRadio es definitivamente PARTE del futuro de la radio. ¿Qué tan importante es la pregunta? Va a tomar un tiempo ver cuál es la reacción del público y qué tan rápido impregna y cambia la cultura subyacente de la música. Definitivamente tiene el potencial de aumentar el volumen de espectáculos / entradas vendidas cada año, y eso tiene que ser bueno para la música. También creo que evolucionarán varias reputaciones (incluso más de lo que ya lo han hecho), de modo que los fanáticos sabrán sintonizar Detroit MI para la música X, Austin TX para Y y Tokio para Z … y así sucesivamente. ¿Dónde estará el mejor punk? Podría ser HK. Podría ser Vladivostok. Quién sabe. O tal vez sean LUGARES que se conozcan internacionalmente por su destreza en la reserva. Oakland de Yoshi podría ser escuchada, como DeliStation, por fanáticos del jazz de todo el mundo. Hotel Cafe en Los Ángeles para cantante / compositor … Va a ser muy interesante ver qué pasa.

Sitio web oficial de Deli Radio: www.deliradio.com



Source by Reign Lee

Radio por Internet más fácil

La radio por Internet puede ser una gran empresa. Hay un montón de estaciones para elegir, y encontrar una que se ajuste a sus preferencias puede ser agotador. Un directorio de radio por Internet ofrece un orden del caos.

Streamfinder.com es uno de esos directorios. Ofrece opciones tanto para los oyentes como para las emisoras. Básicamente es un agregador, lo que significa que proporcionan acceso a los servidores de las estaciones que participan en su sitio.

Hay cerca de 14,000 estaciones para elegir, y se pueden buscar por palabra clave, artista o género. Registrarse (gratis), le permite guardar sus estaciones favoritas.

Su lista de géneros base incluye: NPR, talk, reggae, alternativa, rap, country, jazz, techno, 60's, 70's, 80's, easy listening, electrónica, hip hop, jpop, kpop, latin, noticias del mundo y la opción de agregar estaciones para sus emisoras por ahí.

Para aquellos interesados ​​en la transmisión, en el enlace "iniciar transmisión" en la barra de herramientas principal hay tutoriales completos para lograr esto.

Como soy principalmente un oyente (al menos en este momento), centrémonos en ese aspecto. Lo que es genial es que cuando eliges un género, te dan lo que parece ser una simple lista de estaciones.

Ja, ja, pero la apariencia puede ser engañosa, ya que cuando haces clic en un enlace obtienes la página de perfil de las estaciones que incluye: información de tasa de bits, qué reproductores multimedia, formato de transmisión (mp3, aac, etc.), canciones reproducidas recientemente, formato de estación principal, cualquier etiqueta asociada, otras estaciones orientadas al formato de estación principal y una lista de géneros similares.

Por ejemplo, elegí "funk", y obtuve 222 resultados en más de nueve páginas, que es la lista más funk que he visto, ofrece ofertas directas de resultados de Google. También me gusta la breve descripción del género que se muestra como parte de la página también.

Enlaces de listas de géneros similares al funk: hip-hop, rap, funky jazz, soul, pop / funk, nu jazz, etc., algunos de los cuales pueden valer la pena.

Si te gusta el jazz, el funk, la fusión de jazz, el jazz acid / nu, los años 60 a 90 r & b, mira mis recomendaciones de streamfinder y otros en: http://profyousion.com/profyousion/internet-radio-recommendations/



Source by Brent Newby

Revisión musical de The Moola Mantra por Deva Premal

Deva Premal canta con la voz de un ángel, el corazón de alguien que ha conocido el amor y la pérdida, y el alma de un Maestro iluminado. He tenido el placer de seguir la música de Deva y su compañero de vida Miten durante varios años, desde que revisé su álbum Embrace a principios de 2003. También puedo recomendar sus otros títulos, incluidos The Essence y Love is Space. Con el próximo The Moola Mantra (fecha de lanzamiento el 28 de agosto de 2007), estoy encantado de volver a la exquisita marca de música de canto devocional de este dúo que ha atraído a fanáticos en todo el mundo, con ventas totales de CD que superan el medio millón.

El Moola Mantra es quizás su mejor álbum hasta el momento, tejiendo con gracia la voz trascendentemente pura de Deva, sitar, flauta bansuri, dotar, tabla, piano, cuarteto de cuerda y electrónica ambiental en un tapiz rico en capas de cantos sagrados que honran todas las tradiciones, religiones, credos y caminos espirituales Junto a excelentes músicos como Jai Uttal, Benjy Wertheimer, Manos y Kit Walker, Deva y Miten transportan al oyente a un mundo de bendita gracia. Durante casi 20 años, han viajado por todo el mundo, ofreciéndose como ejemplos vivos del equilibrio energético masculino / femenino, compartiendo su música como una herramienta sagrada para la curación y la intimidad.

Estoy feliz de decirte que Deva y Miten estarán en una gira de conciertos. Desde el 31 de agosto hasta mediados de diciembre en todo Estados Unidos, con una parada en Calgary y las Bahamas. Estarán en Santa Rosa California el 29 de septiembre. Espero verlos a algunos allí. Incluso después de escuchar repetidamente, encuentro que The Moola Mantra alimenta mi alma de una manera que solo mi corazón entiende y recibe mi más alta recomendación.



Source by Steve Ryals

La mejor canción de los tres álbumes MIA

DESAPARECIDO EN COMBATE. Tiene muchas canciones interesantes y es un artista de electrónica increíble. Lo que también es interesante es que pasó de una pequeña isla devastada por la guerra, Sri Lanka, a una de las diez mejores artistas en los Estados Unidos y en Europa.

Y si bien hay muchos videos que tiene con gran producción y sonidos interesantes y todo, y también excelentes canciones de todo el M.I.A. álbumes combinados, hay uno en particular que llega a su propia gente, vuelve a la patria y muestra el verdadero espíritu de lo que se trata. Esta canción es "Bird Flu".

En múltiples niveles, volvió a las raíces de este. Primero, fue a la India a un lugar cerca de donde viven los refugiados tamiles de Sri Lanka para disparar a esto, ya que Sri Lanka era bastante peligroso en ese momento con la guerra en curso. Luego, tomó prestados elementos de una famosa canción tamil, "Thirvizha Na Vantha", de la película Jayam. Ella fue a los templos de Chennai y encontró músicos para grabar en un conjunto de Urumi Melam, lo cual en sí mismo es toda una declaración, ya que la batería de urumi generalmente solo es interpretada por los Dalits (mejor conocidos como los "Intocables"). Lo sorprendente de esto es que es una famosa estrella discográfica respetada en el oeste, y de todos los elementos que podría haber usado en su música de India y Sri Lanka, eligió usar la música ritual de los Dalits. Esta fue la declaración política de que ella está CON sus pueblos sin mirar a la casta, y de manera apropiada.

El conjunto de Urumi Melam consiste en el nagaswaram (el instrumento acústico más ruidoso del mundo que no es de latón, considerado muy auspicioso y utilizado en ceremonias en los hindúes del sur de India), el pampai (un par de tambores de dos cabezas), uno para tres tambores urumi y un instrumento melódico. Lo irónico aquí es que el conjunto de Urumi Melam generalmente toca funerales y otros eventos desfavorables, mientras que el nagaswaram se considera un instrumento muy auspicioso. La yuxtaposición! Estoy seguro de que M.I.A. Hice esto a propósito.

También usó el formato Gaana en su composición. Gaana son canciones rápidas tamiles cantadas en celebraciones. Una vez más, esto fue más apropiado porque el video definitivamente muestra a todas estas personas celebrando canciones y bailes. Lo que también es interesante es que definitivamente es un guiño a su Sri Lanka natal, ya que tanto Gaana como la música popular Baila de Sri Lanka están en 6/8 metros.



Source by Marty R.

 Reseña musical de BODHi Devin Setchko & # 39; s Trans Ukraine

BODHI Kevin Setchko tiene disponible un nuevo lanzamiento magnífico y dinámico. Trans Ukraine es el segundo lanzamiento de BODHI en los últimos años. Su primera, Flauta Chamánica, es una obra maestra meditativa de flauta solista de improvisación y es perfecta para la meditación tranquila, el yoga o el masaje.

Dicho esto, mi enfoque principal en esta revisión es Trans Ukraine, un hipnótico mundo basado en la flauta que se pasea por misteriosos callejones y bazares con aroma a especias. Una opción exquisita para bailar toda la noche, o tal vez la mirada persistente mirando al fuego con tu amor, Trans Ukraine es el antídoto perfecto para el síndrome SSDD (mismo material, día diferente).

Trans Ukraine fue concebida y nació en Ucrania en septiembre de 2004, cuando BODHI conoció a Dimitris Krist, un productor que vive en Kiev. Con su esposa, Natali, traduciendo (solo hablaba ruso) grabaron pistas para dos de las piezas, "Kiev" y "Odessa". A través de una serie inusual de eventos, BODHI se conectó con otro productor, Igor Gromadskiy, con quien grabó la tercera pieza, "Crimea".

Durante los siguientes dos años, la visión de BODHI se realizó de manera brillante a través de las habilidades de producción magistrales de Alex Newman, un productor inglés que BODHI conoció en California mientras Igor estaba produciendo un CD con la banda electrónica de baile mundial "Medicine Drum". Finalmente, los gráficos de la portada del CD fueron creados por Brigitte Behr, una artista gráfica alemana que vive en París, Francia. Este CD es realmente el fruto de un esfuerzo de colaboración internacional.

Para viajes chamánicos de alto orden basados ​​en el ritmo, asegúrese de escuchar atentamente a Trans Ukraine. Una nota al margen histórica: BODHI & # 39; S divine Cloud Etchings fue el primer álbum que revisé, en 1994. Desde entonces, he publicado más de 1200 críticas.



Source by Steve Ryals

 Una historia de U2, la mejor banda de rock del planeta, Parte II

Su LP The Joshua Tree, lanzado en 1987, confirmó a U2 como una de las bandas más grandes del planeta, alcanzando el número 1 en veintidós países, permaneciendo en el primer lugar en las listas de éxitos de EE. UU. Durante nueve semanas y colocándolas en la portada de TIME revista.

El documental Rattle and Hum presentó imágenes grabadas de la gira posterior, también lanzaron un LP del mismo nombre, del cual el single Desire le dio a la banda su primer número 1 en el Reino Unido.

Achtung Baby, fue lanzado en noviembre de 1991, marcó un nuevo comienzo para la banda, poseía un sonido más electrónico y su posterior gira ZooTV fue un gran espectáculo visual. Grabaron el álbum Zooropa en la gira, fue una desviación aún mayor de sus grabaciones anteriores, incorporando techno, electrónica y el canto de Johnny Cash, fue su disco más experimental hasta la fecha.

En 1995 lanzaron el disco Original Soundtracks 1., Brian Eno contribuyó como socio completo, por lo tanto, fue lanzado bajo el nombre de Pasajeros. En general, recibió críticas negativas, sin embargo, contenía el sencillo exitoso Miss Sarajevo. Lanzaron Pop en 1997, debutó en el número 1 en treinta y cinco países y la banda se embarcó en otra gira mundial épica de puro espectáculo llamada PopMart.

Volvieron a un sonido más tradicional con su trabajo de 2000 All That You Can & # 39; t Leave Behind, que contenía los éxitos masivos, Beautiful Day, Walk On, Elevation y Stuck in a Moment You Can & # 39; t Out Of From . El álbum más reciente de la banda, How To Dismantle an Atomic Bomb, fue lanzado en 2004, y sus singles ganaron premios Grammy en las ocho categorías en las que fueron nominados.



Source by Russell Shortt

 Mi configuración final de subwoofer Hsu VTF-2 gracias a REW

El fin de semana pasado, obtuve el Asistente de ecualizador de sala (REW) totalmente funcional en la última versión beta de Parallels. Con la última versión beta pude calibrar mi tarjeta de sonido y generar señales de prueba sin pops y clics, lo que causó errores de impulso y corrupción de datos.

Con el clic de mi mouse, REW me muestra exactamente cómo se ve la salida de mi subwoofer Hsu VTF-2. Después de horas de ajustes, decidí un crossover de paso bajo a las 3 en punto (entre 80 y 85 Hz) y un nivel de una gran joroba de 20-38 Hz y una respuesta relativamente plana de 40-100 Hz (ver tabla, esto la medición se realiza con los altavoces secundario y principal activos). Pensé que las películas de acción se beneficiarían del refuerzo de graves profundos y la música se beneficiaría de la respuesta más plana en los graves medios (estoy bastante seguro de que el indie-rock que me gusta no tiene mucha información por debajo de 40 Hz, electronica, sin embargo …). Al final, ajusté el sub para obtener 63 Hz (la frecuencia fundamental de un bombo) lo más cerca posible de la línea de referencia.

Llegar a esta configuración optimizada no fue fácil, tuve que configurar cada perilla en el sub incorrecto antes de saber que tenía razón. REW me mostró que en cualquier otro entorno de cruce tenía un nulo agudo de alrededor de 50 Hz. Si cambiara la fase a 0 grados en el subwoofer Hsu VTF-2, podría ver una caída definitiva a 80 Hz (diciéndome que 180 grados era la mejor configuración, mis cables principales están conectados en polaridad inversa porque mi preamplificador Rogue Audio 99 se invierte fase absoluta). Primero pensé que el aumento de nivel en los graves profundos era malo, así que moví mi submarino fuera de la esquina más cerca de mí a lo largo de la pared lateral izquierda. Curiosamente, mover el sub no tuvo efecto en la octava más baja, pero perdí un volumen significativo en el bajo medio. Entonces el sub está de vuelta en la esquina, incluso lo moví tan cerca de la pared como pude para mejorar aún más la respuesta de graves medios.

Ver películas es mucho más emocionante ahora. Vimos Finding Nemo el domingo después de una cena temprana (mi mala idea, mantuvo a nuestra hija más allá de su hora de acostarse, solo quería escuchar un poco de bajo de Pixar). Donde el bajo había sido restringido antes por mi configuración incorrecta, ahora era completo y autoritario. Las explosiones de la mina al final de la persecución submarina tuvieron un ka-boom satisfactorio que hizo que mi hija saltara (y yo sonreí con la satisfacción de un tweaker).

En la música, las líneas de bajo acústico y eléctrico ya no están empotradas y mal definidas. Dependiendo de la grabación, puedo escuchar la nota completa definida por los dedos del bajista martilleando y tocando. El bajista se ha ganado un lugar en el escenario de sonido. Los tambores de bombo son más ajustados mientras permanecen llenos y equilibrados. Es más fácil visualizar el mazo golpeando la piel del tambor y la amortiguación. almohada dentro de salto.

Por lo tanto, integrar su subwoofer en el resto de su sistema no es tan fácil como reproducir un poco de ruido rosa y ver la aguja de su medidor SPL fluctuar enormemente por encima y por debajo de su nivel de referencia. La falla con el método de banda ancha de ruido rosa es el promedio. Si tomara el nivel promedio de mi subwoofer, el ancho de banda que me interesa (40-100 Hz) todavía estaría demasiado bajo y todavía estaría plagado de graves bajos.

Realmente se necesita el poder de REW y sus barridos sinusoidales limitados para mostrarle lo que realmente está sucediendo. Si tiene una PC que puede arrastrar a su sala de audición cableada a su sistema y un medidor de SPL asequible, entonces no hay razón para que no pueda tener bajos optimizados, profundos, equilibrados y naturales desde su subwoofer (a menos que tu sub apesta, entonces deberías comprar un Hsu).



Source by Kyle Kolbe

 Tonos Cristianos

¿Eres cristiano? Si la respuesta es sí, le complacerá saber que, como cristiano, tendrá más opciones que descargar tonos de llamada de rock, metal, electrónica o tecno para sus hijos. Los tonos de llamada cristianos son tonos de llamada adaptados para teléfonos celulares. Los tonos de llamada cristianos se componen de música cristiana, en la que la música explora temas cristianos pero está diseñada para reproducirse en lugares que no sean iglesias.

Los usuarios de teléfonos celulares ahora tienen la capacidad de escuchar su música cristiana favorita en forma de tonos de llamada cristianos. Aprenda a personalizar su dispositivo móvil con tonos de llamada cristianos de teléfonos celulares. Sonará para alabanza del Señor. ¡Aleluya! Algunos cristianos están tan frustrados con algunos de los tonos de llamada que escucharon en los teléfonos celulares de sus jóvenes en la iglesia. A menudo, las letras no son realmente positivas.

Por supuesto, no tiene que ser cristiano para descargar estos tonos de llamada cristianos. Cualquiera puede disfrutarlos. La mayoría de los tonos de llamada cristianos se pueden encontrar en tonos de llamada polifónicos o tonos de llamada monofónicos. Hay literalmente toneladas de tonos de llamada cristianos para elegir (King Of Glory, Creed, God Will Lift Up You, Serenade, Ave Maria, Nothing Without You, Flood …). Hay once tipos diferentes de tonos de llamada cristianos:

Tonos de llamada de rock alternativo cristiano (música rock alternativa líricamente basada en una cosmovisión cristiana)

Tonos de llamada cristiana bubblegum pop (música popular cristiana y rock and roll cristiano)

Tonos hardcore cristianos (música punk hardcore y un subgénero del punk rock interpretado por bandas donde los músicos promueven las creencias cristianas)

Tonos de llamada industriales cristianos (música industrial o rock industrial cuyas letras y temas están inspirados e influenciados por el cristianismo)

Tonos de llamada cristianos de hip hop (música hip hop que utiliza temas líricos cristianos para expresar la fe del compositor)

Tonos de llamada de metal cristiano (música heavy metal con letras y temas explícitamente cristianos)

Tonos de llamada de música pop cristiana (género de música popular que se centra líricamente en asuntos relacionados con la fe cristiana)

Tonos de llamada punk cristianos (música alternativa cristiana y un subgénero del punk rock interpretado por bandas donde los músicos son abiertamente cristianos, sus letras reflejan su fe y ven a su audiencia como público en general)

Tonos de llamada de rock cristiano (música rock tocada por bandas donde los músicos son abiertamente cristianos)

Tonos cristianos de rock suave (estilo de música que utiliza las técnicas del rock and roll para componer un sonido más suave, supuestamente más agradable para escuchar)

Christian ska ringtones (un subgénero del rock cristiano y ska)

Más información sobre tonos de llamada cristianos [http://www.ringtonejamjam.com/christian-ringtones.html] en Cell Phone Ringtone Jam Jam [http://www.ringtonejamjam.com].



Source by Stephen Lynch

¿Quiénes son los muertos agradecidos?

Los Grateful Dead son legendarios, más un símbolo que una banda, de hecho, la mayoría de las personas conocen la marca más que la música, están más familiarizados con las payasadas de Jerry Garcia & Co. que con los álbumes. Eran las bandas de hippie más famosas, celebradas y traviesas y, de hecho, se quedaron por más tiempo. Convirtieron legiones y legiones de escenógrafos en Deadheads endurecidos.

Surgieron de la unión entre el cantante / compositor / guitarrista principal Jerry García, el compositor / guitarrista rítmico Bob Weir y el tecladista / cantante Ron 'Pigpen' McKernan. Los tres comenzaron como fanáticos antes de volverse eléctricos y formar equipo con el graduado de vanguardia / electrónica de formación clásica Phi Lesh en el bajo y Bill Kreutzmann en la batería. Sus primeros conciertos fueron bastante apropiados como la banda de la casa en las famosas fiestas de LSD de Ken Kesey, siguieron estos conciertos con la celebración de una serie de conciertos gratuitos donde combinaron folk y country con blues. Sin embargo, su álbum debut The Grateful Dead (1967) no logró capturar el eclecticismo de la banda ni la emoción de sus conciertos en vivo.

Resolvieron este problema en el álbum de seguimiento Anthem of the Sun (1968) con sus collages de sonido psicodélicamente improvisados ​​ayudados por la adición de un segundo baterista Mick Hary y un segundo tecladista Tom Constanten. Continuaron su experimentación auditiva a través de Aoxomoxoa (1969), que marcó el comienzo de su colaboración con el miembro de la banda sin actuación Robert Hunter. Fue en su álbum doble Live / Dead ese mismo año que todo se unió y finalmente lograron capturar de qué se trataba The Grateful Dead. Una vez que dominaron esto y demostraron su valía, desacreditaron al estudio, grabando dos álbumes clásicos: Workingman's Dead y American Beauty, en los que exploraron sus raíces country, folk y blues.



Source by Russell Shortt

 Estilo de vestido de novia vintage

Los vestidos de novia de estilo vintage son una tendencia firme en el mundo de la moda nupcial. Para muchos, la idea de los vestidos de novia vintage evoca una imagen de un vestido de encaje recatado con perlas y un velo, pero el término 'vintage' # 39; cubre más de cincuenta años de moda, ¡y las opciones son casi ilimitadas!

El estilo vintage se basa en la elegancia y la iconografía de muchas épocas diferentes, desde las aletas de los años 20 hasta las chicas hippies de los años 60, el glamour de los años 30 y la electrónica de los años 80. Cualquiera sea la época que elija, inspírese en los estilos de vestimenta, accesorios, música, películas y joyas para completar su atuendo de boda. ¿Por qué no mezclar y combinar su estilo vintage con un toque contemporáneo para que su atuendo de novia sea realmente suyo?

Aquí hay una guía rápida de los principales looks vintage que probablemente encontrarás en una tienda vintage de ropa de novia:

  • El diseño de los años 20 comenzó a alejarse de la ropa restrictiva como los corsés e introdujo cintura baja, dobladillos más altos, detalles de encaje y cuentas y siluetas de corte recto.
  • La moda de los años 30 tenía que ver con la elegancia y el glamour: piense en las estrellas de cine clásicas con cabello ondulado, vestidos sedosos que abrazan la figura y maquillaje ahumado para los ojos.
  • Los años 40 fueron inspirados por los militares, agregando un aspecto a medida para vestidos y dobladillos hasta la rodilla. Los sombreros de caja de pastillas con velos fueron muy populares durante los años 40 y 50.
  • El estilo de los años 50 se dividió entre la feminidad recatada y la libertad del rock & # 39; n & # 39; ¡rodar! ¡Prueba un vestido de novia corto estilo años 50 con falda larga y baila toda la noche!
  • La moda se expandió en muchas direcciones durante los años 60, pero los estilos icónicos incluyen mod, vestidos de cóctel y, por supuesto, el poder de las flores.
  • Para un look de los años 70, opta por un vestido maxi griego que fluye libremente o el extremo opuesto de la escala con un mini vestido.

Para crear una apariencia vintage, primero decida sobre su época o el tipo de vestido de novia que busca. ¡Los vestidos de novia vintage varían de la longitud del piso, la longitud del tobillo, la longitud del té e incluso más cortos! El estilo depende de usted, tal vez esté inspirado por su lugar o una película clásica, libro o celebridad. Explore las tiendas de antigüedades y los mercados antiguos para encontrar pequeños toques en su recepción y accesorios para darle a su boda un toque vintage. ¡Un vestido de novia simple se puede hacer diez veces más impresionante con los zapatos, joyas, sombreros y accesorios adecuados! Y no se olvide de su novio: hay muchos estilos diferentes de traje y ropa de hombre para elegir para que coincida con su aspecto vintage.

Sin embargo, sobre todo, asegúrese de que su vestido de novia y su estilo general reflejen su propia personalidad y disfruten de su boda única.



Source by Todd W Cassidy

 Canciones de reggaeton con los principales raperos estadounidenses: una de las 5 mejores listas de reproducción

El estilo urbano de la música latina conocido como Reggaeton, una mezcla viva de estilos latinos tradicionales y R&B, Hip Hop y Electrónica, realmente está despegando en los Estados Unidos. Tiene sentido, entonces, que numerosos raperos estadounidenses populares y artistas de R&B estén grabando colaboraciones con estos prometedores artistas de Reggaeton.

Aquí hay una breve lista de reproducción con algunas de las mejores canciones. Esta lista puede ser útil para aquellos interesados ​​en la fusión musical, así como un punto de entrada para que los fanáticos del rap se familiaricen con un nuevo género de música que se está volviendo cada vez más popular.

1. Daddy Yankee con Snoop Dogg – Zona Gangsta Daddy Yankee es ganador del Premio Grammy Latino y es uno de los pioneros del reggeaton y uno de los artistas más populares de la actualidad. Esta canción emite un ambiente duro y callejero y presenta un gran verso del rapero de la costa oeste Snoop Dogg.

2. Wisin y Yandel presentando 50 Cent – Mujeres en el Club El dúo de reggaeton Wisin y Yandel son uno de los colaboradores más activos con artistas de otros géneros, ya que han grabado canciones con numerosos grandes nombres en Hip Hop, R&B y Pop. El ritmo tiene la sensación de una canción de 50 Cent y el controvertido rapero del sur de Jamaica, Queens, ofrece un verso característico.

3. Don Omar con Juelz Santana – Conteo El "Don" de la música de reggaetón puertorriqueño es inmensamente popular y esta canción presenta un verso del nativo de Harlem Juelz Santana. El padre de Juelz Santana era dominicano, y usa algunas oraciones en español en la canción.

4. Daddy Yankee con Young Buck y Lloyd Banks – Rompe (Remix) Rompe es uno de los singles más populares de Daddy Yankee, y grabó un remix con los dos miembros de G-Unit. Es una canción optimista, de alta energía y se ha utilizado como la música de varios jugadores latinos de MLB.

5. Wisin y Yandel con T-Pain – Imaginate Esta canción representa el estilo más lento e influenciado por el R&B de Wisin y Yandel, y presenta T-Pain, completo con su característico ajustador de tono de audio Auto-Tune.

Esta lista solo lo ayudará a comenzar en el emocionante mundo del Reggaeton, así que esté atento a más colaboraciones y espere muchos más en el futuro cercano.



Source by Andrew Walsh

Actividades en Islandia – Cosas que hacer en Islandia

La Madre Naturaleza ha dotado a Islandia de algunos de los paisajes más majestuosos, cielos coloridos y regiones geológicas únicas en el mundo. La belleza escénica del país y las actividades al aire libre organizadas en torno a esta belleza son lo que primero atrae a la mayoría de los visitantes a Islandia.

Ningún viaje a Islandia está completo sin un recorrido por las famosas cascadas que el país tiene para ofrecer. Los visitantes pueden tomar unos días ocupados y llenos de viajes para saltar en cascada desde Gullfoss (la cascada más famosa de Islandia) hasta Dettifoss (la cascada más poderosa de Europa) y Skógafoss (una cascada clásica que es la favorita de muchos turistas) y Dynjandi (conocido por su forma trapezoidal única), y así sucesivamente. Islandia tiene al menos 20 cascadas notables, por lo que los visitantes felices con cámaras pueden pasar días tomando fotos de estos sitios impresionantes.

Más allá de las cascadas, Icleand también tiene muchas otras atracciones al aire libre famosas, como el famoso Parque Nacional Thingvellir, el Gran Geysir, la Laguna Azul, el volcánico Monte Hekla o las Cuevas de Hielo Kverkfjöll. Como todos estos sitios valiosos se encuentran dispersos por todo el país, los visitantes pueden desear reservar recorridos oficiales a través de Icleandic Tours, Touris o Reykjavík Excursions. Aquellos que deseen explorar más libremente pueden buscar vuelos a través de la aerolínea nacional más confiable del país, Air Iceland, o programar un recorrido en autobús a través de BSI (la red nacional de autobuses del país), o alquilar un automóvil en una de las principales compañías de alquiler de automóviles ubicadas en los aeropuertos

Los viajeros que deseen hacer su excursión específicamente al aire libre pueden intentar contactar a Arctic Adventures, una empresa de ecoaventura que se especializa en tours de aventura al aire libre que incluyen rafting, senderismo glacial, espeleología, escalada en hielo, kayak, piragüismo y snorkel.

Entonces, sí, Icleand tiene oportunidades aparentemente infinitas para actividades al aire libre; pero no olvidemos que también es el país el que nos dio Björk y algunos de los amantes de la música moderna más ecléctica que hemos escuchado en la última década. Como era de esperar, entonces, la capital del país, Reykjavík, tiene entre sus muchas ofertas urbanas, una escena musical dinámica con diversos géneros, desde electrónica underground hasta punk rock hardcore, indie, hip-hop e incluso música de cámara clásica.

Aunque Reikiavik, con una población de 170,000 habitantes, puede ser pequeña en comparación con otras metrópolis mundiales, presenta un atractivo más que satisfactorio para los visitantes que se cansan de explorar la naturaleza. Su casa de ópera, sinfonía, museos y una gran cantidad de cafés lo convierten en el centro cultural de la nación. La vida nocturna de Reykjavik también es trepidante: los visitantes pueden cenar en los famosos lugares de interés The Pearl, o el bar islandés; ir de fiesta en Pravda, el restaurante 22 o la NASA; e incluso experimentar algunos avistamientos de celebridades en Kaffibarinn o Rex Bar.



Source by Nia Peters

La fuerza de la música electrónica de baile que es oro negro

El Black Gold de Brooklyn está compuesto por el multi-instrumentista Than Luu y el vocalista y tecladista Eric Ronick, un par de gatos geniales que ya se han ganado sus credenciales de "calidad" de gira con las bandas de acompañamiento de Ambulance Ltd, M.Ward, Panic At The Disco, Rachael Yamagata, The Hold Steady, Polysics, Scissor Sisters y Jaguar Love. Como su propia banda, la pareja conocida como Black Gold es conocida por producir una producción de dance pop moderna, teñida de electrónica y pulidamente producida.

La banda tiene una amplia gama de inspiraciones musicales de todas las épocas de la música rock n roll. "Ningún estilo o género está fuera de los límites. Nos gusta mucho sacar de diferentes artistas, diferentes períodos, y darle un giro. De alguna manera terminamos con algo coherente y eso suena, sin lugar a dudas, como nosotros", dice Ronick. .

"[Black Gold’s sound is] sin aliento experimental … casi todas las canciones son un simple potencial pidiendo una edición de baile extendida, revista "raves" Spin ".

El álbum debut de Black Gold es Rush de 2009. Mientras tanto, ya han tenido un single de baile electrónico de gran venta con "Detroit (Shark Attack Remix)", que también fue lanzado en un disco de vinilo de edición limitada 7 "(con un lado B de" The Picture Show ") En Rush, escuchará cortes que invocan a T-Rex, Satie, Chic, Michael Jackson (cuando era R&B), David Bowie, los hermanos Gibb y The Band. Como dijo Ronick, ningún estilo o género está fuera de los límites. a él y a Luu.

"Detroit", de hecho, inicia el álbum Rush. Los oyentes encontrarán ritmos de danza electrónica que fluyen en los espacios entre el canto conmovedor y el trabajo del teclado. Luego viene "Plans & Reveries", que es una muestra de los talentos gemelos de Ronick de cantar y tocar el teclado (aquí, piano). Parece que Ronick es la mente pop que sabe cómo escribir ganchos y cantar a un nivel emocionalmente evocador que está por encima del resto de los vocalistas mediocres de hoy, mientras que Luu sabe cómo darle el ritmo y resaltar los ganchos con texturas musicales que Dale a la música profundidad y poder de permanencia.

Finalmente, el álbum llega a "What You Did" y aquí se pone en marcha. El ritmo es rápido y las sabrosas guitarras se agitan junto con los teclados al estilo de David Rosenthal, incluso cuando algunos sintetizadores de la era del funk de Stevie Wonder giran como olas oceánicas enojadas en el fondo. Esta es una canción de la amargura de un hombre que encuentra a su amante en la cama con otro, y la voz de Ronick está en su mejor momento diciéndote como es. Black Gold's Rush es tan único en su pop británico moderno mezclado con súper eclecticismo que a Ronick se le da un lugar de seis minutos y medio para brillar en el piano instrumental llamado "Canyon".

Busque que el oro negro sea una fuerza durante algún tiempo.



Source by Nick Lambert